Artista versátil donde las haya, XA’LUM encarna los roles de cantante, productora y compositora. Detrás de ella está Iria Vilas, joven con orígenes franco-gallegos y una historia familiar marcada por el exilio en Francia durante la guerra, que creció en España antes de mudarse a Île-de-France. Su viaje musical empezó desde niña, explorando el piano y teclados digitales, hasta que descubrió a Pink Floyd en la adolescencia; de ahí nació su pasión por los sintetizadores. Así, firma composiciones que combinan diseños de sonidos únicos, sintes armónicos y ritmos latinos downtempo para crear una música atmosférica y emocional. 

Tellus Mater (2024) es su trabajo más reciente, un EP que surge «con la idea de ser un manifiesto de ruptura con el abuso de poder que se produce en diversas situaciones cotidianas» a través de cinco cortes eclécticos donde el impresionismo clásico se fusiona con la música urbana contemporánea.

 

Foto © Saraf Dicoh @sarahstrophe

 

Detrás de XA’LUM, «bruja del equinoccio», está Iria Vilas. ¿Cómo nace este proyecto artístico hace ya diez años?

XA’LUM: «El proyecto nace de las ganas de experimentar y de crear nuevos sonidos. XA’LUM nació como un tipo de bedroom music experimental en el que intentaba crear mi propia biblioteca de diseños sonoros en mi home studio.

En un principio era una exploración musical íntima e introspectiva que buscaba los recursos estilísticos musicales con los que poder identificarme».

 

Tu nombre artístico viene de «sal» (xal) y «fuego» (‘lum) «buscando un símil de vapor en los poros en el que sientes que te ahogas, pero a la vez con un fuego interno que aporta una parte positiva». ¿Cómo nace esta idea que, aparentemente, se contradice y complementa a la vez? ¿Qué buscabas con esta dualidad?

XA’LUM: «Esta idea nace de mi pasión por estos dos elementos. El agua del mar siempre fue algo muy importante en mi vida, y San Juan es una de mis fiestas favoritas por el fuego. Esta dualidad funciona en los dos sentidos, el agua calma y apaga el fuego, pero también como un solo elemento: el fuego calienta el agua y la evapora».

 

La música lleva presente en tu vida desde muy joven, formando parte de diferentes agrupaciones que van desde el rock progresivo, pasando por el jazz hasta llegar al R&B característico de XA’LUM. ¿Qué dirías que aportaron esas experiencias previas a la hora de conformar tu proyecto personal?

XA’LUM: «Estas experiencias me ayudaron a conocerme mejor y a tener una “biblioteca interna” de estilos musicales más amplia. El rock progresivo está muy presente en mis riffs y en mis diseños sonoros y el jazz influencia mucho mis armonías e improvisaciones».

 

 

Descubrimos que tu personalidad cambia (artísticamente hablando) cuando creas música; eres más tímida, te cierras. ¿Cuál es la razón de esa «transformación»?

XA’LUM: «Siento que la música que pude hacer hasta ahora es mucho más sensible, dulce y seria de lo que soy yo en el día a día (o de lo que puedo aparentar). La música me ayuda a conectar con partes de mi personalidad que no suelo mostrar».

 

Al hilo, ¿cuánto hay de Iria en XA’LUM? ¿Y de XA’LUM en Iria? ¿Qué crees que tenéis en común y que os diferencia?

XA’LUM: «Creo que cada vez hay más Iria en XA’LUM y más XA’LUM en Iria. Nunca decidí crear un personaje ni trabajé sus características, es algo espontáneo que nace de la creación y que para mí representa una separación con mi arte; esta separación puede ser positiva para protegerme y distanciarme. Me gustaría poder añadir más Iria a XA’LUM, porque en el día a día yo soy una persona mucho más espontánea, irónica y graciosa».

 

Foto © Saraf Dicoh @sarahstrophe

 

FKA Twigs, Sevdaliza, James Blake, Nai Palm o Björk pueden ser algunos artistas que se nos vengan a la cabeza a la hora de escuchar a XA’LUM. ¿A quién consideras tú cómo referente?

XA’LUM: «Pues creo que mi referente principal puede que sea Pink Floyd, que es también una de mis bandas favoritas. Nai Palm y su grupo Hiatus Kaiyote también están muy presentes; me considero muy fan y el disco en solitario de Nai Palm debe ser lo que más escuché en estos últimos años. Muchas de mis transiciones y armonías se inspiran de su trabajo».

 

XA’LUM se presenta como una expresión artística donde la improvisación tiene bastante protagonismo, pero a la vez el concepto creativo del proyecto está muy claro, siendo capaz de transmitirlo, tanto a nivel compositivo como estético, de una manera muy coherente. ¿Cómo consigues darle esa cohesión al proyecto sin dejar de lado a improvisación?

XA’LUM: «Creo que la improvisación es algo muy natural para mí; lo difícil es poder mantener, repetir y recordar una estructura concreta. Cuando era pequeña, estudiaba piano y pocas veces conseguía aprenderme las partituras o seguir correctamente todo lo que estaba escrito. Creo que una de las claves para conseguir esta cohesión es el minimalismo musical que suelo utilizar, que juega mucho con el cambio en las sonoridades y texturas».

 

 

 

La primera referencia discográfica que encontramos de XA’LUM es NADA (2018), un single de dos caras donde el trip-hop se presenta bastante desnudo, en comparación con tus composiciones actuales. ¿Cómo describirías la evolución de tu sonido?

XA’LUM: «En esta etapa, XA’LUM aún estaba en fase de incubación, simplemente le daba vida desde mi habitación a las cosas que tenía en cabeza. La experimentación vocal siempre fue algo que estuvo muy presente pero que no me atreví a explorar por completo en NADA».

 

En 2021 lanzas Hvergerlmir (2021) un tema en colaboración con el productor estadounidense Mike Frey, proyecto con el que consigues el segundo premio del Xuventude Crea 2022. ¿Cómo surgió este trabajo conjunto?

XA’LUM: «Todo surgió a través de SoundCloud. Yo descubrí su trabajo con Dua Saleh “First Take” en el canal de YouTube Crystal Sounds Uploaded y me encantó. Le escribí al SoundCloud, a él también le encantó mi música y decidimos empezar a colaborar juntos».

 

 

 

 

“Hvergerlmir” es uno de los cortes incluidos en ISA (2021), un EP de tres pistas que, en conjunto, conforman un poema sonoro influenciado por el impresionismo clásico y el jazz avant-garde. A nosotros nos hace pensar en Sigur Rós (la glosolalia, las armonías vocales…), ¿es así? ¿Por qué hacer que todo gire alrededor de la voz?

XA’LUM: «Pues el EP está más inspirado en la música de Debussy que en el trabajo de Sigur Ros.

Compuse el EP en el piano y luego regrabé todo con mi voz e improvisé varias veces por encima. Estaba en una época en la que no sabía muy bien qué decir; tenía un conflicto en la escritura entre el castellano y el gallego y un conflicto para identificarme como cantante, música, productora o pianista, por lo que hacer un EP utilizando solo mis voces me parecía una buena solución».

 

Y lo de titular las canciones en islandés... ¿de dónde viene?

XA’LUM: «Me gusta mucho la mitología nórdica y las runas. Hice una tirada de runas para inspirarme para el EP y salió ISA, que es la runa que da nombre al EP. El nombre de las canciones son diferentes formaciones de agua y van desde la más grande hasta la más pequeña: hvergelmir es la fuente de agua de la que emana elivagar, un conjunto de ríos en el que se encuentra gjoll».

 

 

 

El año pasado lanzabas “Lemuria”, un tema que suponía un nuevo punto de inflexión hacia un sonido, que aunque mantiene y redefine elementos de ISA, retoma con una perspectiva diferente a las músicas urbanas presentes en NADA. ¿Qué propició ese giro?

XA’LUM: «ISA siempre fue más una creación de recursos estilísticos propios que me servirían luego para utilizar en la música pop. Después de su salida, yo estaba más centrada en componer y producir R&B, pero el productor El Speaker escuchó el álbum y le encantó el universo musical. Me propuso colaborar juntos en una canción que mezclase este universo con su estilo musical (reguetón, salsa, trap)».

 

 

 

 

Tellus Mater (2024) es tu trabajo más reciente, un EP que presentas como «un viaje hacia la liberación a través del dolor, la rabia y la tristeza». ¿Por qué definirlo de este modo?

XA’LUM: «Tellus Mater se creó con la idea de ser un manifiesto de ruptura con el abuso de poder que se produce en diversas situaciones cotidianas. Celebra el sector no normalizado de la sociedad y explora la identidad y sexualidad, pasando por diferentes etapas en este proceso».

 

¿Cómo se fue materializando ese «viaje» en son? ¿Cómo fue su proceso creativo?

XA’LUM: «El proceso creativo de este EP fue largo; la primera canción que compuse fue “Opiunte” hace más de cuatro años. Fue la canción en la que se habían basado los sonidos de este EP, muy inspirados en la niebla, los cactus y en las panderetas tradicionales de la música gallega».

 

Foto © Saraf Dicoh @sarahstrophe

 

En la mitología romana, Tellus, a veces Tellus Mater, era la diosa que personificaba a la Tierra, ¿por qué escogerla a ella para titular el EP? Además de los títulos de las canciones, en latín, ¿se extiende esta referencia de algún otro modo al resto del disco?

XA’LUM: «La verdad es que la idea del nombre fue de mi amigo Marcos; surgió un día que estábamos hablando y paseando por el parque de Oza en el momento en el que yo aún estaba en el proceso de composición. Con este EP quería probar lo posible de lo imposible: el nacimiento de un cactus en las montañas frías del norte atlántico de la península ibérica, la supervivencia después del abuso...

La diosa Cibeles y el culto de los Gallus inspiraron la canción de “Dies Sanguinis”, que gira alrededor del sacrificio».

 

Tellus Mater recoge tres cortes, con una intro y uno outro, ¿en qué, o quién, están inspirados?

XA’LUM: «En general están inspirados en mi vida, y filtrados por metáforas mitológicas y alegorías a la naturaleza. Aprovecho el poder protector de la naturaleza para hacer surgir la tradición gallega, los sonidos y las letras».

 

 

¿Qué hizo que “Dies Sanguinis”, corte en el que te aproximas a la neopsicodelia, fuese el sencillo adelanto del EP? ¿Cómo recuerdas la grabación del videoclip?

XA’LUM: «“Dies Sanguinis” representa un momento de pérdida y desorientación. Es mi canción preferida y la que se diferencia más de mi trabajo: está compuesta por tres partes con variaciones tonales y armónicas en las que la voz hace posible a transición. La grabación del clip fue un momento muy divertido e inspirador».

 

En “Opiunte’’ escuchamos ritmos experimentales de trip-hop y vibras de trap; bases rítmicas y efectos sonoros que contrastan con la letra, una oda nostálgica al desamor, a la muerte y la soledad. ¿Cómo fue a dar vida a esta canción en particular?

XA’LUM: «“Opiunte” es una de las canciones más agresivas dentro de mi estilo musical, con ritmos marcados y cambiantes en el que los efectos de la voz se agravan al decir “si te vas, márchate”. Es una canción que amenaza con la desaparición y en la que el sonido de la niebla está muy presente».

 

 

“Chumbera” es el tercer corte, ¿por qué esta súbita aproximación al reguetón?

XA’LUM: «En mi vida diaria escucho mucho reguetón y música con la que pueda bailar, sobre todo mientras cocino o limpio. Mi sueño siempre fue a hacer una canción alegre y “Chumbera” se aproxima más a quién son yo de verdad, a Iria, con una declaración de amor irónica. Pronto saldrá un clip en el que tengo mucha confianza y con el que disfruté muchísimo».

 

 

Te inspiras en las técnicas vocales de la música tradicional gallega, algo que aprendiste de tu abuela. Lo de mezclar la música tradicional con ritmos y melodías más contemporáneos es una tendencia en alza. ¿Por qué crees que se está produciendo este incremento? En tu caso en particular, ¿cómo surgió lo de conectar, o reconectar, con la tradición?

XA’LUM: «Creo que es algo natural y, en mi caso, esta aproximación me ayudó a aceptarme más como artista. Como dije antes, estudiando el piano clásico me costaba mucho seguir las estructuras fijadas por la partitura, y la música tradicional es mucho más abierta y social; te permite comunicarte más fácilmente con los demás».

 

Foto © Saraf Dicoh @sarahstrophe

 

El autotune está presente en algunas de tus composiciones, aunque no utilizado de la manera a lo que estamos acostumbrados a oírlo en la música actual. ¿Qué crees que aporta esta herramienta a tus composiciones? ¿Cuál es tu opinión sobre su uso (o abuso) en la actualidad?

XA’LUM: «No le doy el autotune las etiquetas que suele tener hoy en día. Es cómo todo, depende cómo se use puede ayudar o ser contraproducente en la composición y nos directos. Para mí es un recurso como otro cualquiera, como la distorsión de los amplis de las guitarras o los pedales de efectos».

 

En algunas de tus actuaciones subes al escenario la Amara Rey, quien acompaña tu música con un espectáculo de danza. ¿Cómo complementa esta disciplina artística la experiencia inmersiva de tu música en directo?

XA’LUM: «Mi música se conecta mucho con la danza porque, aunque sea de manera interna, mi música es una música corporal. La utilización excesiva de la voz ayuda a darle ese toque humano y vivo. Una de las personas que más me hizo avanzar en el mundo de la música fue la bailarina Estefanía, que me invitó a participar en su espectáculo ‘Fugaces’».

 

 

Y, ya que estamos encima del escenario, ¿de qué se compone tu live set?

XA’LUM: «Normalmente se componen de una loopeadora, un sintetizador es una caja de efectos».

 

¿Cuándo, y dónde, podremos disfrutar de un concierto de XA’LUM? ¿Qué podrá esperar el público?

XA’LUM: «Pues las próximas fechas son en Francia, dos conciertos en París a finales de mayo es uno en Valence en junio. Después del verano volveré a tocar por España acompañada de otros artistas».

 

En la actualidad, ¿qué artista o grupo gallego nos recomendarías? ¿Algún favorito que deberíamos conocer?

XA’LUM: «Carabela y Måi».

 

Si abriésemos tu cuenta personal de Spotify, ¿qué escucharíamos? 100% Sinceridad, 0% Vergüenza

XA’LUM: «YEAH HUSS!, Euskoprincess y Maureen».