«Aquí sempre tes casa», Dani Cornes

Tras varios años desde aquel primer trabajo, Días rosas, publicado en 2018, Dani Cornes regresa con Aquí sempre tes casa, un larga duración que reafirma su voz como una de las propuestas más sensibles del pop gallego contemporáneo. Natural de O Grove, el cantante presenta ahora un disco de once canciones que llega tras adelantar tres singles y que se construye como un relato emocional profundo, marcado por la memoria, los afectos y la búsqueda de un lugar propio en el mundo.

En este nuevo trabajo, Cornes profundiza en un pop heterogéneo, expansivo, en el que la música funciona como vehículo para una escritura de carácter poético e introspectivo. La producción, a cargo de Crnds, apuesta por atmósferas cuidadas y dinámicas contenidas que permiten que la voz y la palabra ocupen el primer plano. Ese sonido, delicado pero envolvente, deja espacio para la nostalgia contenida y para esa distancia emocional que permite observar las propias vivencias con perspectiva. Más que una colección de canciones, el álbum funciona como un relato cohesionado sobre crecer lejos y aprender a llevar el hogar dentro.

 

 

 

 

«Allo Negro», Allo Negro

Hay algo casi paradójico en que el blues, música nacida del dolor y el desarraigo del sur de Estados Unidos, encuentre en el gallego un idioma tan natural. Allo Negro lo demuestra con convicción en este debut homónimo de ocho canciones grabado y masterizado por Martín Esturao en Bungalow Studios.

La banda, surgida de las cenizas de Mulberry Blues, trae una propuesta que mezcla el blues clásico de BB King y Louis Jordan con el soul contemporáneo de Michael Kiwanuka y Monophonics, con letras en gallego. La voz de Isa Pérez ancla ese cruce con solvencia, apoyada por guitarras con sabor a blues y una sección de viento que da cuerpo y calidez a temas como "Troula" o "Arde a Queimada".

Las letras van del amor no correspondido, a la pérdida con cierta mirada social. La morriña y el blues comparten más ADN del que parece, y Allo Negro lo sabe.

 

 

 

 

«Xa non ten ferriñas», Leni Pérez e SeKadra

La ‘pandereiteira’, recopiladora e intérprete Leni Pérez une sus fuerzas al dúo de jazz SeKadra (Arturo Rúa y Paulo Silva) en Xa non ten ferriñas. El disco toma prestado su título de una copla tradicional gallega —«Xa non ten ferriñas, ferriñas non ten; e mais toca ben»— para convertirlo en declaración estética. La imagen de la pandereta sin sus sonajas, que aun así “toca bien”, puede funcionar aquí como metáfora de una tradición que se transforma sin perder pulso ni identidad.

La voz y la pandereta dialogan con arreglos abiertos al jazz y a la improvisación, generando un paisaje sonoro donde lo ancestral respira en clave contemporánea y del que “Nai” puede ser una buena muestra. No hay ruptura, sino desplazamiento: las melodías populares se expanden, se tensan y encuentran nuevos matices rítmicos. El resultado es un disco que honra la memoria oral gallega mientras demuestra que, incluso sin “ferriñas”, la música sigue vibrando con fuerza propia.

 

 

 

 

«Portalén», Treixadura

En Portalén, Treixadura vuelve a situarse en ese territorio que conoce como pocos: el de la tradición gallega entendida no como museo, sino como espacio vivo. El título no es casual. Remite de forma directa al enclave mítico de Portalén, la “Porta do Alén” situada en el Monte do Seixo, una abertura natural entre rocas a la que la tradición popular atribuye la condición de umbral entre mundos. Esa imagen de puerta —entre pasado y presente, entre memoria y canto compartido— funciona como clave simbólica.

Publicado en febrero de 2026, Portalén se presenta como una obra concebida con calma, con un fuerte sentido de continuidad respecto a la trayectoria del grupo. Tras más de tres décadas defendiendo el canto colectivo y el repertorio tradicional gallego, Treixadura no necesita reinventarse: su gesto más radical es la fidelidad. Pero aquí esa fidelidad adopta forma de reflexión.

El disco —de 19 cortes y algo más de una hora de duración— alterna muiñeiras, cantos tradicionales y piezas que, aun siendo de nueva factura o de reelaboración, suenan profundamente arraigadas. Títulos como “Muiñeira da Moa”, “Airiños aires”, “A Virxe do Portovello” o el propio “Portalén” refuerzan esa idea de vínculo con el territorio, con el paisaje y con la memoria oral. Portalén no describe el lugar; lo invoca.

 

 

 

 

 

«Aínda dis-funcionais??», Bico!!

El debut de Bico!! con Aínda dis-funcionais?? llega como una sacudida breve y directa: ocho canciones en apenas un cuarto de hora que condensan urgencia, ironía y un gusto claro por la inmediatez. Detrás del proyecto, convertido ahora en trío con Ciprián López Aneiros en el bajo y Beatriz García Souto a la batería, está Xurxo Esquío, veterano inquieto de la escena gallega —con pasado en Esquíos, Gharabullo y Bufalo Vil— que aquí opta por despojarse de capas y firmar un trabajo más crudo, casi doméstico, pero no por ello menos contundente.

Desde el arranque con “Bico!!” (poco más de un minuto), el disco deja claras sus reglas: riffs afilados, ritmo acelerado y una producción sin ornamentos. Hay algo deliberadamente urgente en la manera de encadenar temas como “Ardendo” o “Zapoi”, que remiten a la tradición del garage punk y al rock & roll primigenio, pero filtrado por una sensibilidad contemporánea. Las canciones rara vez superan los tres minutos; no lo necesitan. Funcionan como fogonazos.

Aínda dis-funcionais?? suena a proyecto nacido de la necesidad creativa más que de la estrategia. Se percibe el carácter casi artesanal de la grabación lo que aporta frescura y cierta imperfección honesta. Esa falta de pulido extremo juega a favor del conjunto: la energía prima sobre la precisión quirúrgica.

 

 

 

 

«Je tiens bon», MJ Pérez

Con Je tiens bon, MJ Pérez regresa tras un silencio discográfico prolongado que no fue vacío, sino proceso. La artista arzuana firma su quinto álbum de estudio como quien atraviesa la intemperie y decide mantenerse en pie. Cinco años sin publicar desembocan en un trabajo marcado por la transformación personal, por las dudas reales y por una reconciliación honesta con el oficio de escribir canciones. El título condensa la idea central: mantenerse firme desde la calma. Resistir, sí, pero sin estridencias; sostenerse desde la serenidad y desde una madurez que no necesita elevar el tono para hacerse escuchar.

En lo musical, el disco amplía el perímetro sin perder el centro: canción de autora, pop, rock, música de raíz y pulsos latinos y brasileños conviven en un repertorio que se permite jugar sin fracturar su identidad. La unidad no está en la etiqueta, sino en la voz, en la escritura y en esos giros armónicos que delatan a MJ incluso cuando cambia de paisaje. Arropada por un equipo cómplice —con la producción de Peter Petrowski y un elenco de colaboradoras y colaboradores que suman voces e instrumentación—, la artista construye un álbum que elige dialogar con su tiempo: precariedad, vivienda imposible, agotamiento generacional, necesidad de afecto. Pero también amor, ironía y esperanza. Je tiens bon no es solo resistencia: es convicción serena, es afirmación tranquila. Aquí estoy. Sigo en pie.

 

 

 

 

«Cantos de amor e revolución», Francisco Castro

En Cantos de amor e revolución Francisco Castro reúne nueve temas que basculan entre la intimidad del cantautor y la energía de una banda de rock en poco más de media hora de duración. Este nuevo álbum articula un diálogo constante entre la intimidad y el compromiso. Fiel a su vocación literaria, Castro sitúa la palabra en el centro. Amor y revolución son las dos coordenadas del disco, pero no como conceptos abstractos, sino como pulsiones concretas: el afecto como motor y la mirada crítica como responsabilidad. Las letras son textos que interpelan, que se leen como poemas y que se bailan como canciones.

Musicalmente, el disco se mueve en coordenadas de pop-rock de raíz acústica, con arreglos delicados y una banda que aporta calidez sin eclipsar la narrativa. Más que una simple colección de temas, el álbum funciona como un pequeño manifiesto personal donde emoción y conciencia se dan la mano con honestidad.

 

 

 

 

«Embrio no torno», Embrio

Pink Floyd, legendaria banda británica de rock progresivo y psicodélico, marcó la historia de la música con álbumes que se convirtieron en pilares del género como “The Dark Side of the Moon” (1973), “Wish You Were Here” (1975) o “The Wall” (1979), obras señaladas tanto por su innovación sonora como por su impacto cultural. “Embrio No Torno” es una recopilación de versiones en galego de clásicos de Pink Floyd, interpretados por la banda gallega Embrio desde una perspectiva local y respetuosa con los originales.

La colección de Embrio incluye “Embrio Ao Vivo”, versión de “In the Flesh?” (original de The Wall, 1979); “Tempo”, adaptación de “Time” (de The Dark Side of the Moon, 1973); “Adeus Ceo Azul”, que remite a “Goodbye Blue Sky” (también de The Wall, 1979); e “Imos Falar”, reinterpretación de “Have a Cigar” (de Wish You Were Here, 1975).

Publicada en formato digital en SoundCloud, esta obra ofrece una oportunidad única de redescubrir algunas de las composiciones más emblemáticas de Pink Floyd desde un prisma gallego, combinando la fidelidad a las atmósferas originales con la identidad sonora de Embrio.

 

 

 

 

«Que soe o trono», Dioivo

Con Que soe o trono (Romantic Songs, Loita Underground e Speedhammer, 2026), el dúo vigués Dioivo —Daniel Valladares y Jacobo Mouriño— vuelve la vista atrás para avanzar con paso firme, recuperando el repertorio de Rust in Peace, la banda primigenia reconvertida en 2016, y trasladándolo al presente con nuevas letras en gallego. Editado en CD por Romantic Songs Records, Loita Underground y Speedhammer Records, el álbum retoma el pulso de sus primeros movimientos. Resulta significativo que, tras una etapa más inclinada hacia el black metal melódico y atmosférico, aquí vuelva imponerse el thrash metal que marcó sus inicios: más directo, más cortante, más rompe-cuellos, sin renunciar a una producción cuidada y a ese sonido compacto que fueron afinando con el tiempo.

Menos expansivo y más visceral que en sus entregas recientes, el disco también destaca por un mayor protagonismo del bajo, que añade cuerpo y profundidad al conjunto. Colabora además el guitarrista fundador Pablo López Figueroa en “Aniquilación” y en la propia “Que soe o trono”. Como cierre, se incluye la maqueta publicada por Rust in Peace en 2013, con la voz original de Fernando Rodríguez Silva, recuperada ahora como testimonio de una etapa funacional. Grabado, mezclado y masterizado por Dany Soengas en los estudios vigueses DS Audio, el álbum reafirma la identidad de la banda: a veces hace falta regresar al riff que lo empezó todo para recordar por qué sigue teniendo sentido hacerlo sonar.

 

 

 

 

«Kamikaze», Agoraphobia

Tras siete años de silencio discográfico, Agoraphobia regresa con un tercer álbum de estudio, Kamikaze (dotbeat, 2026), que reafirma su identidad dentro del rock alternativo gallego. La banda de O Barbanza publica este nuevo trabajo producido por Iago Lorenzo, en un movimiento que se entiende también como posicionamiento: frente a la lógica de la inmediatez y al consumo acelerado de la industria, el grupo apuesta por la pausa, la reflexión y la honestidad artística.

El disco construye un itinerario introspectivo en el que la identidad aparece como un territorio inestable, atravesado por el amor, la pérdida, el error y la presión social. La necesidad de encajar se transforma en una fuerza que nos desplaza del propio centro. En ese contexto, Kamikaze emerge como un gesto de insumisión íntima: reconocerse en medio del ruido.

 

 

 

 

«Thank You for Holding», Meu

Hay regresos que responden a la nostalgia y otros que nacen de la necesidad artística. El de MEU pertenece a la segunda categoría. Casi dos décadas después, la banda herculina vuelve con Thank You for Holding (Chesapik, 2026), un tercer disco inesperado que apuesta por un sonido cantado íntegramente en inglés. Reivindica, libre de complejos, la tradición del rock británico más incisivo y bailable. Una herencia estética que no mira atrás con melancolía, sino que se actualiza desde el presente.

Los doce capítulos sonoros de esta entrega desprenden energía directa, rítmica y cortante, con una producción que premia el impacto inmediato sin descuidar el detalle. En las letras —mayoritariamente firmadas por Nacho Mora— domina una crítica irónica y punzante sobre una sociedad donde el control queda desplazado y ya no se percibe como imposición explícita, sino como dinámica asumida a través de pantallas e hiperconectividad.

MEU no ofrece respuestas ni proclamas redentoras. Propone, simplemente, detenerse un momento y celebrar, porque también en el disfrute puede habitar una forma de resistencia.

 

 

 

 

«El mal de l’amor», Jonatan Alvarado, Samuel Diz

El mal de l’amor recupera el cancionero íntimo del compositor Gustavo Durán, figura singular de la Generación del 27 cuya trayectoria atravesó la música, la diplomacia y el exilio tras la Guerra Civil. Amigo de intelectuales como Lorca y vinculado a los círculos culturales republicanos, Durán desarrolló una intensa labor de recopilación y armonización de canciones tradicionales durante sus años en América y el Mediterráneo. Entre 1944 y 1963 reunió cuadernos personales donde conviven melodías españolas, latinoamericanas y europeas antiguas, filtradas por una sensibilidad culta y cosmopolita. El proyecto, concebido como libro-CD, devuelve hoy a la luz ese legado diverso y profundamente humano, donde amor, nostalgia y memoria dialogan con naturalidad.

La voz de Alvarado, clara y expresiva, aborda cada pieza con sensibilidad filológica y hondura poética; la guitarra de Diz, precisa y cálida, sostiene el discurso con elegancia y conocimiento histórico. Juntos logran una lectura sobria y emocionante que convierte este rescate patrimonial en una experiencia viva y contemporánea.

 

 

 

 

«Esperta, muller salvaxe», MARIÁN

 

“La esencia salvaje es esa parte genuina de todos que late dentro de nosotros, esperando ser reconocida e encarnada”. Con Esperta muller salvaxe (2026), MARIÁN entrega su primer trabajo de larga duración, un disco conceptual en el que, a lo largo de diecinueve piezas —en gallego, castellano e inglés—, la artista va tejiendo con hilo invisible cinco líneas temáticas: transformación, muerte, identidad, vínculos y esencia, para conformar un viaje catártico de renacimiento: “el viaje de una mujer de vuelta a su esencia más salvaje”.

Producido por Iago Pico (Tanxugueiras, Peitoescuro) —“la parte más bonita de todo este proyecto [...], un sueño hecho realidad”—, el disco combina diferentes estilos que van del pop al soul y otros géneros afrodescendientes.

La edición física es muy singular: #RitualSalvaxe es una caja con elementos pensados para acompañar la escucha atenta del disco, entendida como un ceremonial.

Entre los momentos más simbólicos destaca “Ventre”, con la colaboración de Guadi Galego, que refuerza la dimensión generacional de un álbum que entiende la música como ritual y afirmación, y en el que también destacan los vídeos a cargo de Trece Amarillo que acompañaban los sencillos que precedieron su lanzamiento.

Esperta muller salvaxe es un debut ambicioso, inspirador y profundamente honesto.

> Entrevista en galiciantunes (2/3/2026)

 

 

 

 

«A nosa terra», QFB

A nosa terra confirma a QFB como una de las propuestas más combativas y con mayor personalidad dentro del rap-metal gallego. Tras Rexurdir, el grupo regresa con un disco que mezcla riffs pesados, bases urbanas y una actitud frontal, construyendo un trabajo que suena a manifiesto: orgullo de identidad, defensa de la lengua y crítica social sin filtros. Canciones como “Indignados” o “En pé!” funcionan como auténticos gritos de resistencia, mientras “Somos Patrimonio” reivindica la cultura como algo vivo y popular, lejos del folclore de escaparate. El álbum también se atreve a señalar problemas actuales como la violencia machista, los incendios o la guerra. Las colaboraciones (XacaPandes, Álex Fente, Dary Feijoo y Leilía) aportan variedad y refuerzan el carácter coral del mensaje. Un disco directo, militante y enérgico, pensado para sonar en directo y dejar claro que en Galicia también se grita con metal y rap.

 

 

 

 

«Vou pa Portujal», O Caimán do Río Tea

Con su nuevo larga duración, Vou pa Portujal (Ferror Records, 2026), la emblemática banda de rock bravú de Ponteareas regresa a la escena reafirmando una identidad sonora construida a base de retranca afilada, letras irreverentes y una energía que se contagia desde el primer compás. El álbum, integrado por diez cortes grabados en los estudios Lufs de su villa natal, mantiene intacto ese espíritu festivo que define su trayectoria, al tiempo que introduce pequeñas exploraciones que amplían los límites de su propio estilo sin renunciar a su esencia.

Tras un parón discográfico de diez años —interrumpido por el lanzamiento de Sandsbridge’s Lonely Hearts Club Band (2024)—, la banda “sale de la lavadora” para ofrecer una colección de canciones que vuelven a poner el foco en la cotidianeidad observada desde la óptica más canalla y desenfadada. Este nuevo trabajo no solo confirma que su vuelta a los estudios fue para quedarse, sino que se presenta como una reafirmación madura de su ideario bravú: ritmo, ironía e identidad local convertidos en una celebración sonora que recompensa tanto la escucha atenta como el baile despreocupado.

 

 

 

 

«50 anos na música», Anxo Vigo

En 50 años en la música, Anxo Vigo celebra medio siglo de trayectoria con un disco que funciona como crónica personal y también como retrato colectivo. Nacido en Vigo, su obra estuvo marcada por la década que pasó viviendo en Londres en los años setenta, una experiencia que ayuda a entender esa nostalgia serena —morriña hecha melodía— que atraviesa su repertorio. A lo largo de 34 temas, algunos de ellos revisados para este disco, Vigo recupera canciones en las que lo popular y lo íntimo caminan de la mano, con una escritura directa y un fraseo reconocible. Piezas como “Galicia”, “A ledicia de ser galego”, “Galicia e Portugal” o “A ti Rosalía” son declaraciones de identidad, mientras “Outono” o “Paxariños” dibujan el Vigo más emocional. Un trabajo largo y coherente, que suena a regreso y a memoria, con una producción respetuosa con la esencia del autor y con una voz que nunca dejó de mirar hacia casa.

 

 

 

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